攝影藝術極簡史
攝影發展的歷史資料中大多會提到尼埃普斯的日光蝕刻法，從那之後，攝影開始了它的歷程：接下來有了銀版、火棉膠等攝影法，以及我們所熟知的
徠卡攝像機
，各種攝影機器的更新和改造，從膠片到數碼等。
幾乎純粹變成了攝影機器的演化史，但攝影更多的是表達個人的思想，是一門藝術。然而攝影的開始卻不被認為是一種藝術，攝影藝術極簡史就是打算從這個角度出發，一起了解攝影一路走來，怎麼成為一門藝術？
攝影的最開始並不能算是藝術，頂多算門手藝。裡面涉及很多的手工藝，早期的
化學工藝
的嘗試以及近代的暗房處理，都是很考驗個人手藝的技術活，因此早期的攝影更多的是手藝活。
留存到現在的相片最早就是尼埃普斯的作品，他將猶太瀝青塗在鉛錫合金板上，足足曝光了八小時才獲得一下影像。
尼埃普斯的合夥人
達蓋爾
繼續完成他的研究並申請了專利，攝影歷史的開端大多也認為從此開始了。
威廉·亨利·福克斯·塔爾博特
攝影藝術真正得以傳播的應該是
塔爾博特
，據說塔爾博特早就完成了達蓋爾的活，只是一直沒有得到自己滿意的影象，一直拖著，讓達蓋爾捷足先登。
攝影分為了
顯影
和
定影
兩種，開始的顯示大家都能看到，問題就在於怎麼儲存下來，就是定影的活了。不然怎麼炫耀啊，不對，應該是不然怎麼供後人學習，自己的作品透過定影才能流傳。
如上圖所示，塔爾博特的作品之一。總體來看相片呈現淡淡的紫色，早期的工藝手法表現，因為濃食鹽的原因，認真看還能發現一些鹽跡。關鍵在於相片是負像，並不是達蓋爾的直接成像。
這裡出現了非常關鍵的點，就是負像，也就是說底片出現了，這點非常重要。達蓋爾是直接成像，不利於傳播，有了底片之後，相片就可以複製，傳播性完全不在一個級別上。攝影的塑造性也大了，因為底片的處理可以加入個人情感。
塔爾博特後面的定影技術更勝一層樓，從上面的圖片中已經可以看到在那個年代已經相當不錯了，棕色調不是後期的濾鏡，那時候沒有這個東西，而是定影劑的效果，用了海波，現在的暗房處理用的定影劑依舊是海波。
塔爾博特後的攝影得以傳播，問題是這門技術可以傳播了，那麼有什麼用？新的事物出現的需要一個方向，隨後出現了一個關鍵的人物。
茱莉亞·瑪格麗特·卡梅隆
她女兒怕她退休後太無聊，在她48歲的時候送了一臺相機給她，從此攝影藝術誕生了傑出的人物並又往前邁了一步。
相機怎麼體現藝術？此時最能體現藝術的就是繪畫了。卡梅隆所處的時代正是前拉斐爾派藝術運動時期，前拉斐爾派的目的是為了改變當時的藝術潮流，認為拉斐爾以前的古典的姿勢和優美的繪畫成分都已經腐化了，因此取名為前拉斐爾派。
攝影透過前
拉斐爾派藝術
運動來變現自己的特點，就往藝術又靠近了一點點。
攝影為了體現藝術，需要向繪畫學習，那麼怎麼樣才能提取繪畫中的精華？下面的作品正好詮釋了攝影的走向。
初看相片，也許會認為連對焦都不會，誤認為是那個時候攝影機器問題。其實並非如此，那是從繪畫中學習而來的，以此來表現個性和情緒，透過柔焦人像來表現，卡梅隆這樣的表現形式對後面的人像流派產生了非常重要的影響。
雖說是向繪畫中學習，可是離繪畫還有一些距離，但是已經有了繪畫的感覺了。
卡爾·斯特勒斯
在向繪畫中學習了一段時間後，知道怎麼更像繪畫，接下來就誕生了畫意攝影。這個時期的攝影作品已經很像繪畫了，跟繪畫非常接近，畫意攝影的集大成者就是
斯特勒斯
了。
畫意攝影的最大特點就是柔焦，攝影作品認真看並不會太清晰，很柔和，像是畫筆修飾過，而不是現代攝影中的銳利清晰的感覺。
什麼是藝術？模仿可不算藝術，哪怕模仿得再像，也沒用。正所謂仿我者死，學我者生。模仿並沒有價值，要做自己，攝影又怎麼做自己？攝影已經從剛開始並不知道自己的方向，到向繪畫學習，最後像繪畫了，接下來攝影藝術之路何去何從？
攝影是時候變革了，要成為獨立的藝術，就需要跳出模仿的束縛。
怶得·亨利·埃默森
埃默森
在畫意攝影最盛行的時候提出：攝影本該就是獨立的藝術，不應該向繪畫學習，我們學習的物件只有一個，那就是大自然。
埃默森嚴格抨擊了畫意攝影，認為這並不是完整的攝影，鼓勵攝影師從大自然中尋找自己的靈感，在自然中挖掘題材，透過寫實的手法來表現自然美。
以此同時，他提出了
焦點視覺理論
，我們人眼觀察事物，會有一個焦點，四周是模糊的，攝影也應該跟人眼觀察事物一樣。
上面的作品中可以發現有個實的區域，然後外圍慢慢開始模糊，就像我們今天說的虛化，人是實的，背景全部虛化，體現焦點視覺理論的作品。
自然中記錄最真實的美，在當時來看跟潮流不符合，但這個思想影響了很多人，讓大家有個這麼個意識：攝影就應該是個獨立的藝術。
“美國現代攝影之父”
阿爾弗雷德·斯蒂格里茨
就是受到埃默森的影響下，成立了攝影分離派，同樣是現代攝影史中重要的一支。
尤金·阿杰
攝影既然要擺脫束縛，要成為自己，尤金·阿杰就成為了節點性的人物，在攝影藝術史上非常的關鍵，他對繪畫有著深刻的見解，知道怎麼樣才能擺脫繪畫從而體現攝影獨特的美。
阿杰的作品深藏繪畫中的因素，也為後世開創了新紀元，他的作品就是一個過渡，一個邁向攝影藝術本身的過程。後世給了阿杰很多稱號，像超現實主義攝影等。
阿杰的作品中有種抓拍的感覺，那個時候其實還是玻璃幹板，曝光時間雖然短了，儀器還是比較巨大和麻煩的，拍出那樣的感覺並不容易。
阿杰的作品中出現人物的作品還是比較少的，主要是阿杰用了長曝光法，即便路上行人比較多的情況下也能拍攝出非常乾淨的相片，當然，他拍攝的時間也是行人較少的時間段。
愛德華·柯蒂斯
攝影的探索還在繼續，攝影最大的功能就是記錄下一切，
柯蒂斯
耗費30多年在美國西部拍攝印第安人，記錄印第安人的生活，讓後人瞭解滅絕的印第安人的生活本來是怎麼樣的。
柯蒂斯的拍攝活動打開了攝影中的報道和紀實攝影的門，當然，後面也有人認為柯蒂斯純屬是為了完成任務而拍攝的，因為柯蒂斯當時收到了
摩根財團
的支助，讓他去完成印第安人的記錄，大家認為這並不能算柯蒂斯的想法。
E·J貝洛克
跟柯蒂斯不一樣的是貝洛克是自發的去記錄和拍攝，自發表達自己情感和藝術的過程。貝洛克屬於先鋒攝影，用紀實的手法和技巧為我們留下了很多時代的記憶。
貝洛克中的作品有部分是記錄當時妓女的生活情況的，由於尺度過大，就暫時給大家欣賞上面的作品，有興趣深挖的可以找出貝洛克的作品繼續欣賞。
這個時候，攝影的紀錄功能又提升了一大截，無論是紀錄手法還是形式上。以此同時，攝影藝術也走出屬於自己的天地。
攝影慢慢有了自己的東西，有了自己的特點。
愛德華·韋斯頓
攝影藝術的地位和認同很大程度是因為
韋斯頓
，證據是什麼？證據就是韋斯頓是第一個作為攝影師獲得古根海姆獎的人。
古根海姆獎一直以來只賦予藝術領域的人，在藝術領域有著崇高的地位，能得古根海姆獎意味著藝術領域有著極高的造詣，而作為攝影師的韋斯頓獲得了，意味著攝影已經成為一門藝術並且得到了世人的認可。
這作品想必大家多少有點熟悉，同樣是拍攝青椒，看看大師拍的，已經不僅僅是青椒了，靜下心繼續欣賞越看越有味道。
韋斯頓已經在影調、質感、畫質上追求到了極致，這些攝影機上的屬性發揮也發揮到了極致，大家也從中品味到了攝影真正的味道，我想這不正很好的詮釋了什麼叫攝影藝術。
安瑟·亞當斯
教科書般的人物，只要是學過攝影的，無論怎麼樣都繞不開亞當斯。就像學物理總知道牛頓吧。
亞當斯在攝影教育上的成就是極高的，這就是為什麼說學攝影無論怎麼樣都繞不開亞當斯，尤其是亞當斯的區域曝光法，有句話是這麼評價亞當斯的——-上帝創造了光，亞當斯分成了十份。現在的Photoshop，直方圖都是依據亞當斯的標準。
攝影此前一直是個技術活，大師拍得好總會說憑感覺，然而亞當斯將其量化了。亞當斯將攝影量化就是說只要普通人依據他的曝光法標準，也能拍出他那樣的相片。相當於做飯放多少鹽，很多人說適量就好，問題是多少才算適量，這個時候如果有人告訴應該放15克，你就有了方向，也能做出相同的菜式，至少相差沒有那麼遠。
不僅僅是攝影技術上亞當斯將其量化，暗房的技術特點也寫成一本書將其量化，在定影劑中應該放多少秒等都有詳細的介紹。
總結
攝影藝術一直在前行和發展中，從攝影誕生到模仿繪畫再到成為自己，每一步每個節點上都有關鍵的人推動著攝影藝術的發展。
現在已經是全民攝影的時代，攝影的門檻降低了，人手一部手機就可以拍攝自己想要的景色和人物，雖然拍攝的作品可能並不能算得上是藝術，但依舊可以表達自己的想法。
技術決定下限，審美決定上限。攝影已經很方便了，要想攝影達到另外一種境界，或者說提升一個境界，提高自己的審美才是關鍵。
拋開相機技術的發展，從藝術的角度切入去看待攝影藝術，又會是另一番景色，希望大家對攝影藝術又有另一番認識。