知乎使用者2017-06-25 00:13:00

經常聽到有人形容一部漫畫分鏡有電影感，但鮮有反過來的情況。

電影感是對漫畫分鏡的高評價，而如果哪部電影被評價為拍得很像漫畫，那多半是拍毀了。

原因在於，當讀者說出漫畫有電影感時，其本質含義是，漫畫作為一種靜態藝術，透過漫畫家的分鏡頭編排，使得在連續閱讀時達到了如電影般動態流暢的效果，而電影有漫畫感則不同，說電影有漫畫感會延伸出一正一負兩種意思，正面的是說該電影像漫畫一樣誇張幽默，負面的是說該電影拍得像靜態的漫畫畫面一樣，當然，說難聽點就是，把電影拍成PPT了。

漫畫或Visual Novel的分鏡設計和所謂電影感是不是真的有深刻相互關係？

用電影感形容一部漫畫的分鏡，是否是間接否定漫畫擁有自己的表現語言？

第一句話不太明白你在說什麼，如果是問電影和漫畫的關係，這麼說吧，很多漫畫家都表示過自己透過觀看電影來學習分鏡敘事，而基本沒有導演說自己是看漫畫學會拍電影的，從手冢治虫開始，就是從電影裡汲取養分來反饋漫畫，這用四個字形容就是有史以來，自從手冢治虫把電影鏡頭概念引入漫畫以後就是這樣了，這是創舉，該自豪。

用電影感形容漫畫分鏡，絕對不是否定漫畫自己的語言，而是褒獎。

至於為什麼漫畫是從電影裡吸收養分，原因也簡單，因為電影在硬體條件上就是比漫畫優越（人力，裝置，後期，宣發）。

漫畫的出彩一般取決於漫畫家本人（通常是一個人）實力牛逼，而電影的出彩在於它只要資金到位，就可以排程非常多的人才和裝置來協助完成作品（但是這和漫畫家帶一堆助手就是完全不同的概念），香港電影的巔峰時期可以一個月就拍一部長片出來，文武戲還是分兩個導演來的最後還能合上，但是一個月畫一本漫畫還一個主筆畫文戲一個主筆畫武戲？多半合不上。

另外電影裡有個大殺器叫剪輯，這個在漫畫就完全做不到，所以只能是漫畫吸收電影，很少有電影吸收漫畫（真人漫畫電影不在此列）。

《大叔》裡這一段，發現小嘍嘍，舉槍幹掉他，血濺在牆上，4秒鐘，剪輯的威力，乾脆利落，真是乾脆利落。這種程度的電影鏡頭，漫畫吸收了以後就是一流的漫畫分鏡了，電影在場面排程上的可以運用的東西超過漫畫太多，所以是漫畫吸收電影，很少電影吸收漫畫，除非該電影資金特缺。

也很快。

當我們說一部漫畫很有電影感，尤其是該漫畫有激烈的武戲，實際上我們在說的是，這部漫畫畫對了格鬥過程中的所有關鍵幀，不過一般的讀者沒有關鍵幀這個概念，所以籠統的把流暢的分鏡過程形容為電影感，一旦畫錯一格關鍵幀，整個漫畫的流暢感就塌掉了。同樣的時間，可能一秒，電影裡演員可以完成好幾個動作（配合大殺器剪輯），在漫畫裡這個行為就叫畫對關鍵幀。

很快，也是幾秒鐘。

漫畫裡就是這樣。

電影裡我們看到的是演員的所有軌跡，包括開始，中段，結束，而在漫畫裡只能開始和結束，畫中段就會【慢】，除非是有新進展才畫，比如上面兩張，兩邊刀過來了，拿手擋，產生了新的進展，就可以畫出中段的動作。當然，一旦畫錯，全塌，想看反面例子可以在國內幾個原創漫畫網站上找找，裡面很多動作畫塌了的。

其實就像是圍棋和籃球吧，即使同樣的比賽時長，同樣的人數，同樣的勝負數，多數人還是會覺得籃球比圍棋看著更激烈，這是媒介本身造成的，無關其他。

匿名使用者2018-01-06 22:41:21

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漫畫和電影有本質的區別。

漫畫，歸根結底來說，它只是2維的東西。

電影，除去一些動畫片，如果是拍攝而來的作品，它的本質是3維的，電影的成片只是3維的場景在2維的投影。

所以，漫畫裡面可以有攝影機視點等概念，但並不一定要像電影一樣，具有非常嚴謹的機位。

本質來講，漫畫裡面的攝影機，只是作者模擬出來的，並不真實存在。大部分漫畫經常會切換為插畫邏輯，也就是平面或裝飾性的構圖，裡面的內容也是虛構的，現實裡就算有這個東西也未必能擺出這個姿態。簡單來講就是怎麼好看怎麼來，並不以真實為最高追求。

比如，漫畫裡完全可以畫成這樣。但電影就不太好拍成這樣。

山田章博就是一個畫的漫畫很像插畫的作者。

所以一般來講，說一個漫畫有電影感，大概就是指這個漫畫有幾個特點：

1就是它的畫面風格處理得比較寫實，透視符合攝影。

2就是裡面的內容比較現實，比如人物造型像真人，光影、場景、服飾等等都是現實裡有可能擺得出來的。

3就是分鏡的時候，模擬出一個攝影機，然後格子內容以攝影機拍攝的效果為優先考慮，把每一格當作是電影的一幀去用。某些時候甚至可以模仿出鏡頭的畸變或者一些特殊的攝影效果等等。

總的來說，把漫畫畫得像電影截圖，需要嚴謹的細節設計。這種方法適合真實題材的作品。屬於一種難度比較高的方法。但並不是說就一定比漫畫式分鏡更好。

由於漫畫和電影畢竟還是有差別，看上去非常像電影故事板的漫畫，未必是好的漫畫分鏡。

盲目追求分映象電影一樣，也不是一種很好的習慣。創作出來的東西很容易閱讀不暢，沒有重心，或者與讀者的距離感太遠很難入戲等等。

反過來說，電影的好處就是機位清晰，能夠找出許多角度，對空間感表現更好。不會像某些漫畫糊成一堆薄片，沒有縱深。

漫畫裡最精華的部分是凝固的格子，電影最精華的部分則是連續運動的幀，

因為這個區別，很可能導致一場戲，在電影裡看起來完美極了，在漫畫裡卻差強人意。

這是需要注意的。

有時候，甚至可以這麼說，

如果一段戲在電影裡登峰造極地發揮了電影視覺藝術120%的魅力，那麼它畫成漫畫，肯定不會太好看。（一般都是縮水並大失其魅力）

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藍港互動2018-01-08 17:50:40

我們先來看幾張圖。

圖片均來自於網路，侵刪。

圖中一側是

電影畫面

，一側是

電影故事板（storyboard）

，即情節串連圖板，分鏡頭設計，指令碼設計。

可以感受到小港想要表達的了吧？

電影鏡頭來自於漫畫，漫畫鏡頭也可以脫身於電影。

電影故事板與漫畫的最大差距或許在於，很多時候電影故事板需要在場景中表達出人物或鏡頭的移動方向，畢竟電影不像漫畫那樣是靜止的畫面。

在製作電影之前，需要先做好分鏡設計，哪幾個人物需要在哪個場景做什麼事，這個場景存在幾秒，攝影機如何移動，下一個鏡頭切什麼場景。這樣在一切開始製作之前可以提供最具邏輯的方案，方便改動，節約成本。

電影跟動漫都是泛娛樂產品，二者可以共享美學，也可以擁有自己獨特的美學，比如蒙太奇理論出自於蘇聯電影，也同時可以應用在漫畫中。

而題中所說，

“用電影感形容一部漫畫的分鏡，是否是間接否定漫畫擁有自己的表現語言？”

可以用

不是

來回答。因為漫畫有其獨有的閱讀順序，分格規則，線條表示動作等等理念，有別於其他的泛娛樂產品，獨具一格，也是其獨特魅力。

最後，“影漫遊”聯動是藍港互動的重要戰略之一，希望大家多多關注我港的電影動漫遊戲等泛娛樂領域的產品啦~

走過路過，不留個贊再走？

河伯2020-11-29 16:59:37

很多時候，我們看到一段精彩的漫畫時會大呼：“太有電影感了！”比如井上雄彥《浪客行》中的這段，武藏一路過關斬將，正想要打敗公認的“天下無雙”柳生石舟齋時，他遁入了沒有邊界的幻想空間，森林、草地、瀑布、白雲等景象一格格閃過。它既有黑澤明拍攝的黑白電影般的穩重，也有《臥虎藏龍》腳踏竹尖般的意境。

這裡的電影感是什麼？是井上雄彥雄健細膩的筆鋒，寫實的自然風景，還是畫格之間的銜接？

要聊這一點就需要涉及電影、攝影領域的相關概念，一個不可否認的事實是，近代漫畫形式發展的突破口，的確來自於攝影、電影等領域的理論，但又延伸發展出自己的特色。

要讓漫畫有電影感需要從兩方面來著手，一個是

畫面

，一個是

畫面之間的銜接

。其中畫面涉及光影、色彩、鏡頭等，本文主要講鏡頭。其次關於剪輯又包含許多概念，本文主要講蒙太奇公式。

如何產生電影感之鏡頭

相比較於現在精細複雜的漫畫分格來說，早期的漫畫形式之一刊登在報紙上的四格漫畫完全沒有電影感，與電影拍攝前期的故事板（分鏡）很相似。

真正讓漫畫產生電影感，一個公認的時間節點是日本漫畫大師手冢治虫在創作《新寶島》時，引入了攝影理論中的【景別】概念。漫畫開頭從少年眼睛的特寫，一格格退至涵蓋頭到胸以上的中景，直到顯露出少年駕駛著汽車飛奔的全貌。攝像機透過調整焦距，調整從特寫到全景的景別，依照拍攝的時間順序串聯畫格，帶來這段具有電影感的畫格組合。這樣的漫畫片段在今天看來或許平平無奇，但在1947年的日本，是投往漫畫界的一枚具有變革性的炸彈。

這個例子告訴我們，創作漫畫分格時想象攝像機的位置、朝向、焦段，用更通俗的說法就是

在處於二維空間的紙面裡植入攝像機，

能讓白紙上的格子內部產生張力，形成所謂的電影感。

在攝影理論中關於鏡頭可以從它的類別去認識：

首先根據視覺距離的不同，鏡頭可以分為特寫、近景、中景、全景和遠景等景別；

根據拍攝角度的不同，可分為仰拍、平拍和俯拍；

根據鏡頭方向的不同，可分為正面角度、正側角度、斜側角度以及背面角度

根據焦段的不同，可分為長焦鏡頭和短焦的廣角鏡頭

根據鏡頭的表現方式，可分為主觀鏡頭和客觀鏡頭

根據鏡頭焦點的位置或者光圈的大小，可分為淺景深鏡頭和大景深鏡頭

……

其中關於前三點，我們在之前的文章《聊聊漫畫創作中景別的運用》、《讓構圖豐富起來：鏡頭角度的選取》、《再談漫畫鏡頭之鏡頭方向》中已經有所提及。

今天主要來簡單聊聊後三點，如果有時間後面再詳細單獨成文。

【關於鏡頭的焦段：魚眼鏡頭的運用】

鏡頭根據焦段的不同劃分為廣角、標準鏡頭和長焦鏡頭。簡單來講標準鏡頭趨近於人眼；而廣角鏡頭類似於魚的眼睛，拍攝的時候能容納更多事物，在邊緣會產生畸變，產生近大遠小的效果，也就是我們經常所說的魚眼鏡頭；而長焦鏡頭就是我們在公園經常看到的老爺爺攝影標配大炮。

三種焦段中，最具有視覺衝擊力和電影感的是魚眼鏡頭，通常帶有遠離的含義。

分別來自《電鋸人》和《墮落天使》

香港文藝片導演王家衛在拍攝《墮落天使》時，運用了大量魚眼鏡頭，用來表示電影中人物扭曲變形的世界觀，人物看似離我們很近卻又很遙遠。在《電鋸人》第52話《失戀 花 電鋸》中，遠在天邊的蕾塞死去後，電次無意捧起一束花，這裡運用超廣角鏡頭，代表著戀情的遠離。

【關於鏡頭的表現方式：主觀鏡頭的運用】

鏡頭的表現方法

，可分為主觀鏡頭與第三人稱客觀鏡頭。第三人稱客觀鏡頭是一種中立鏡頭，就像我們在電影中經常看見的，它模擬攝影機的視角，主要用於交代故事背景和人物關係。而

主觀鏡頭

是模擬劇中角色的視點，它更能表現人的內心。其中主觀鏡頭相較於客觀鏡頭，更讓人有動心或者驚心動魄的感覺，也較具有電影感，通常搭配中景鏡頭以及大畫格突出。

客觀鏡頭與主觀鏡頭

比如在《狂賭之淵》這裡，初來乍到的美少女蛇喰同學，被班級委員鈴井帶著認識校園，並被戒告可要小心收到賭博邀請哦。鏡頭先聚焦在鈴井同學的驚訝視線上，再順著他的視線看到蛇喰同學發出冷笑聲，翻頁再看到鈴井眼中她的詭異的笑臉，這裡她直盯著鏡頭（觀眾），也就是鈴井。從這幾個畫格也可看出，引出主觀鏡頭的前提是角色的視線引導。

你或許覺得這個不夠有衝擊力。那麼之前在恐怖漫畫裡舉過一個例子也是個主觀鏡頭，順著女主視線看過去的爸爸，搭配大畫格，能夠代入女主體會驚心動魄。

把圖縮小就不恐怖了

【根據鏡頭焦點的位置或者光圈的大小：淺景深鏡頭的運用】

最後再聊聊隨著攝像機的光圈調整帶來的景深變化。畫面焦點移動，放在近處產生近實遠虛的淺景深畫面，放在遠處是背景清晰的大景深效果。其中前一種風格，我們經常拿來拍攝文藝照，這種淺景深鏡頭尤其有電影感。

《照明商店》裡有個很明顯的景深變淺的畫格，雖然這裡用來凸顯恐怖事物。在這點，相對於用網點鋪色的黑白漫，彩漫更能做出趨近於人眼世界的虛實感。注意點是：一般淺景深鏡頭在人、事物上會有泛白的輪廓光。

彩漫裡的淺景深（源自《照明商店》）

黑白頁漫裡的淺景深（源自《狂賭之淵》）

關於如何運用鏡頭來增添漫畫電影感就聊到這裡。一部漫畫裡的鏡頭類別越豐富，越能帶來層次感即電影感。漫畫裡如果通篇使用魚眼鏡頭、主觀鏡頭也會讓視覺疲乏，他們要與也要與尋常視角的鏡頭搭配才能主次分明。

【不同效果的疊加】

而不同鏡頭類別的效果疊加，能帶來加成buff，需要更多地嘗試。比如我們之前在《讓構圖豐富起來：鏡頭角度的選取》中提到，運用仰角，人物會顯得不同凡響、具威脅性、富征服感，通常用於動作—冒險型別漫畫。那麼如果仰角鏡頭搭配魚眼鏡頭會產生新的效果即誇張的透視畸變，地平線也隨之凹陷，畫面效果極具戲劇性，比如在《一拳超人》這裡，免疫人向地上的哭泣女孩揮拳的畫格，讓讀者感受到人類的無力且被支配的感覺，比單純的仰角鏡頭更增添恐怖感。

《一拳超人》

如何產生電影感之蒙太奇公式

聊完鏡頭，畫面如何有張力有了方法。但如果每個畫格都這麼畫，費時費力，也很不現實。那麼對於更平常的畫格，它們之間如何巧妙地銜接起來，這就涉及到電影剪輯理論。

關於剪輯可以聊的太多了，比如

轉場方式

，我們之前寫過《漫畫中常見的轉場方式》，提到畫格之間有淡入淡出、空鏡頭轉場、主觀鏡頭轉場、搖鏡轉場等等；再比如畫格之間銜接怎樣會更順暢，涉及到

連貫性剪輯，

在之前的文章《聊聊漫畫的視線引導》提到過用角色視線和動作，還有線條來增加畫格之間的邏輯連貫性。

這次想聊聊蒙太奇公式，也是一種立馬用到漫畫中的技巧。

蒙太奇是指不同鏡頭拼接在一起產生的含義。關於蒙太奇有個著名的庫裡肖夫實驗，將男人的臉與湯、女人和棺材分別剪輯到一起，會產生餓、傾慕、悲傷三種截然不同的含義。

庫裡肖夫實驗

關於蒙太奇有不同的句型，經常使用有三種：

前進式蒙太奇：從遠景、全景、中景、近景到特寫，情緒不斷遞進；

後退式蒙太奇：從特寫、近景、中景、全景到遠景，情緒不斷抽離；

環繞式蒙太奇：將前進式和後退式兩種句型結合起來，從宏觀到微觀，再從微觀到宏觀。

這三種不論哪種都具有電影感。

後退式蒙太奇經常使用於一部電影或一部漫畫的結尾，故事離我們遠去，也代表一個收尾的句號。比如《相聚一刻》的結尾，響子和裕作回到家，鏡頭從小孩的臉龐，逐漸拉遠到這對愛人的側影，最後鏡頭拉高天空，用俯視的視角記錄下小孩被家人團團圍住的溫馨結尾。

《谷圍南亭》的第3話結尾，則用了先以高影為主體的前進式蒙太奇，再從高影視角看向王爺的前進式蒙太奇，最後再以王爺的視角運用了後退式蒙太奇。（是不是有點繞？總之就是很巧妙）代入蒙太奇的概念，我這才真正看出這段分鏡的巧妙。

以高影為主體的前進式蒙太奇

從高影視角看向王爺的前進式蒙太奇

從王爺視角的後退式蒙太奇

上面是不同時的環繞蒙太奇，在《蟬女》的第64話中有一幕運用了同時發生的2環繞式蒙太奇。廖兮和醫生看一部電影，攝像頭佈置在影像中，影片臨近結尾，攝像頭在幕布中抽離河面上的小船，運用的是後退式蒙太奇，而攝像頭進一步對準坐席，逐漸拉近，透過劇終的字型縫隙，廖兮和醫生逐漸入鏡，這裡運用的前進式蒙太奇。幕裡幕外，這一臺戲終了，現實中的戲碼才剛拉開帷幕。攝像機所處的位置實在巧妙。

《蟬女》

不得不說，電影的相關理論確實能夠增強漫畫的表現力。不過雖然我們覺得擁有電影感的漫畫是好漫畫，但實際上我們不能認同電影這種表現形式就優於漫畫，同時從發展時間上來看，漫畫的出現也早於電影。

讓漫畫有電影感，不是讓漫畫等同電影。而是讓漫畫借用電影理論發展出屬於畫格的敘事形式，掙脫來自紙面的束縛。

漫畫和電影是同源、相似且獨一無二的存在，沒有哪者更高階。在這個前提下，我們來聊聊漫畫裡的電影感是什麼，會更加客觀，並且認可漫畫自有的特色，如破格、擬聲詞等。

漫畫和電影都是用畫格框定畫面，一個在幕布上舞蹈，一個在紙面上肆意書寫故事。在紙面中植入攝像頭，它一面在上演虛擬世界的故事，一面映照我們的內心。

大師兄2020-12-02 14:55:08

電影和漫畫都是鏡頭藝術，其實“電影感”我覺得跟“鏡頭感”意思是一樣的。

電影感是對漫畫鏡頭的褒獎，但是沒有電影感也並不一定影響漫畫的表達。

很多優秀的漫畫，電影感並不強。

其實同時呢，電影行業也有向漫畫汲取靈感的時候，即電影的漫畫感。

比如周星馳電影，漫畫感很重，再比如假面騎士的劇集也是。（尤其初代假面騎士，鏡頭的漫畫感很強，畢竟石森章太郎本人是畫漫畫出身）

其實一些比較早期的黑白電影，比如卓別林的作品，沒有太多現代的電影技巧，和漫畫的區別其實沒有現在這麼大。

我忘了是誰說過了，漫畫可能比電影更適合表現蒙太奇的精髓。

這一點的確是這樣的，因為漫畫的表現形式是高度斷裂的，需要對讀者的思路進行高度的引導，才能產生流暢閱讀的效果。

可以說各有利弊，並不是一家獨大的。

至於製作方面，電影製作週期長，產出少，人員多，所以電影更“金貴”。

漫畫呢水的部分就會多一些，但產量高，人員少，作者發揮比較穩定，不會像電影一樣各種因素影響。

各有各的好處，本質上來說，對鏡頭應用非常純屬的導演和漫畫家，都是非常偉大的。